グルーヴとは
音楽では、推進力のあるリズムの中で、パターンを変化させる効果を人が感じ取ることを「グルーブ」と呼びます。つまり、繰り返されるリズムを聴きながら「感じる」ものが「グルーヴ」です。
曲のグルーヴは、しばしばその音楽のリズム感や、リズムセクションの楽器が相互作用して複合的なリズム効果を生み出す方法のことを指します。またグルーブは、電子音楽制作の実用的な用語としても使われています。
グルーヴィーの意味
「グルーヴィー (groovy)」は、音楽的な表現で、リズムやビートが強調され、心地良く聴こえる、楽しく踊れるような雰囲気を表す言葉です。1960年代にアメリカで生まれた俗語で、当時は特にジャズやロック、ポップスなどの音楽に対して用いられていました。今でも、音楽に限らず、様々な分野で、「グルーヴィー」という言葉が使われることがあります。
グルーヴの使い方
「グルーヴ (groove)」は、音楽的な表現で、リズムやビートが強調され、心地良く聴こえる、楽しく踊れるような雰囲気を表す言葉です。音楽的な意味だけでなく、日常的な表現としても、何かがスムーズに進んでいる、という意味で使われることがあります。
例えば、音楽的な使い方としては、「この曲はグルーヴ感があって、聴いていると自然と体が動いてしまう」というように使われます。また、日常的な使い方としては、「プロジェクトがグルーヴしている」というように使われることがあります。これは、プロジェクトがスムーズに進んでいることを表し、全体的に調子が良く、メンバー同士のコミュニケーションが取れていることを意味します。
グルーヴ感とは
さて、もう少し突っ込んで、「グルーブ」が「フィーリング」として何を意味するのかを説明します。
先に述べたように、「グルーブ」とは、推進力のあるリズムでパターンが変化するときに感じる効果です。
バンドのリズムセクション（ドラム、キーボード、ギター、エレクトリックベースやコントラバスなど）の楽器の相互作用によって形成される、連続的に繰り返されるリズム単位の質です。
また、ポピュラー音楽の重要な特徴でもあり、ジャズ、サルサ、ソウル、ヒップホップ、ロック、R&Bなど様々なジャンルに存在します。
一歩下がって民族音楽学的な観点から「グルーヴ」を見てみると、フェルド（1988）が「特徴的で規則的かつ魅力的な方法で持続し、聴き手を引きつけるように働く、特定できないが秩序ある感覚」という広い定義を持っていたことがわかります。
音楽学者やその他の学者が「グルーヴ」という概念を分析し始めたのは1990年代に入ってからで、それはリズムのパターンに対する理解や感触であり、慎重に配置されたリズムパターンが集団的に作用してリスナーのダンスやヘッドノディング、フットタッピングを刺激することによって生じる感情主導の感覚だと指摘しています。
このように、音楽の「グルーヴ」をダンスに結びつけることは必然的なことです。実際、バリー・カーンフェルドによれば、曲や演奏が「グルーヴを持つ、あるいは獲得している」という場合、それは通常、身体を強制的に動かす能力を持つことを意味するといいます。
グルーヴという言葉は、人が動きたくなる、踊りたくなるような音楽の演奏を連想させるので、この主張もうなずけます。
グルーヴとスウィング
ジャズの世界では、一般的に「スウィング」という言葉は、熟練したバンドのまとまったリズム感を表現するために使われていました。
しかし、音楽の発展とともに、ラテンジャズやオルガントリオなどの新しいサブジャンルが登場し、1950年代以降、「グルーブ」という言葉は「スウィング」とほぼ同義語になったのです。
「イン・ザ・グルーヴ」（ピアニストで編曲者のメアリー・ルー・ウィリアムスによるビッグバンドジャズの名曲）という表現は、スイング時代のピークである1930年代から1940年代にかけて、素晴らしいジャズナンバーを表現する際に一般的に使われていました。1940年代から1950年代にかけて、この言葉は音楽のルーティン、好み、スタイルなどを指す一般的な言葉として使われるようになりました。
ジャズフルート奏者として尊敬を集めるハービー・マンは、そのキャリアを通じて「グルーブ」の探求と発見について多くを語っています。
ジム・ニューサムによれば、「1950年代、彼はアフロ・キューバンとラテン・ミュージックに最初の成功を見出した。その後、60年代前半にはブラジリアン・グルーヴを、60年代後半から70年代前半にかけてはファンキーでソウルフルなグルーヴに移行していった。70年代半ばになると、彼はディスコのレコードをヒットさせ、やはりリズミカルなグルーヴで料理していた」。
マンは、「グルーブ」を見つけるための戦略について、「自分が乗りやすい波を見つけること」と説明したのです。
グルーヴとフロー
フローは「グルーヴ」や「スウィング」に似た概念です。通常、ヒップホップなどの音楽ジャンルで使われることが多いです。
そのため、ヒップホップのアーティストが音楽のリズムのノリについて言及するとき、ジャズのアーティストが「スイング」と呼ぶのと同じように、「フローがある」と表現するのです。
グルーヴ感のある曲例
グルーブを感じる曲には、リズム感が強く打ち込まれた楽曲が多くあります。以下にいくつか例を挙げてみます。
“Superstition” by Stevie Wonder
「スーパースティション」という曲は、強いファンク調の曲で、グルーブ感がとても強い楽曲です。ビートがかっこよく刻まれ、それに合わせて重厚なベースラインと鍵盤楽器が鳴り響きます。
“I Got You (I Feel Good)” by James Brown
ジェームス・ブラウンの「I Got You (I Feel Good)」は、強いリズム感があり、中毒性のあるリフが印象的な楽曲です。彼のパワフルなボーカルと、強烈なホーンセクションがグルーブ感を生み出します。
“Uptown Funk” by Mark Ronson feat. Bruno Mars
「アップタウン・ファンク」という曲は、マーク・ロンソンとブルーノ・マーズがコラボレーションした楽曲です。強いファンク感とディスコ感がある曲で、キャッチーなメロディーとリズムがグルーブ感を生み出します。
“Billie Jean” by Michael Jackson
マイケル・ジャクソンの「ビリー・ジーン」は、エレクトリック・ファンク調の曲で、強いリズム感があります。重厚なベースラインやパーカッションがグルーブ感を生み出し、ジャクソンのパワフルなボーカルが加わり、力強い楽曲となっています。
“Get Lucky” by Daft Punk feat. Pharrell Williams
デフト・パンクとファレル・ウィリアムズによる「ゲット・ラッキー」は、ディスコ感がある曲で、ファンキーなリズムが印象的です。自然なグルーブ感があり、フックの強いメロディーとフレッシュなビートが耳に残ります。
以上の楽曲は、グルーブ感が強く打ち込まれた楽曲の一例です。それぞれに特徴があり、ジャンルも異なりますが、いずれも強いリズム感があり、踊らずにはいられないようなグルーブ感を生み出しています。
グルーヴを科学する
グルーヴは、音楽における暗黙のルールのような「説明不可能な現象」として分類されてきましたが、音楽におけるグルーヴを科学的に説明しようとする試みがいくつかなされています。
これらの研究には、音楽家、心理学者、さらには神経科学者などが参加し、音楽におけるグルーヴを理解するための取り組みが行われました。
グルーヴを科学的に特定する試みの一つとして、2012年に「Sensorimotor coupling in
music and the psychology of the groove」という研究があります。
この研究によると、グルーヴとは、感覚神経系と運動神経系の協調・結合の一例であるといいます。
また、この結合は、ひとつひとつの刺激が、ひとつの運動指令だけでなく、多種多様な運動指令に帰着する動的なプロセスの結果であることがわかり、グルーヴが非常に多様な要素に依存していることが説明されました。
つまり、ノリの快感や結果は、生物物理学的・シナプス的プロセス、経験、脳内のフィードバック結合、その他の外部・内部刺激など、多数の要因に依存しているのです。
グルーヴが音楽の科学で言及されたもう一つの例は、現代のロック音楽のマイクロタイミングに関する最近の研究と関連しており、それらが「グルーヴ」現象に深く支配されていることを示すものです。
その結果、音楽のタイミングにズレがないにもかかわらず、ドラムパターンに明らかなグルーブ感の例が観察されました。
音楽家から見たグルーヴ感
グルーヴという言葉をより包括的に理解するためには、他のミュージシャンがこのコンセプトをどのように解釈しているかを知ることがとても役に立ちます。
グルーヴは、ジャズのリズムの「感じ」を表す「スウィング」という言葉に似ていて、とらえどころのない言葉だと前に言いましたが、次の例を見れば、この混乱は少しは解消されるかもしれません。
Marc Sabatellaは、Establishing The Grooveという記事の中で、「グルーブ」は完全に主観的なものであると指摘しています。彼は、あるドラマーが、ある人にとっては硬すぎ、別の人にとっては緩すぎ、そして別の人にとっては完璧に聞こえるかもしれない、と主張しています。
Creating The Groove』の中で、あるベース教育者は、とらえどころのない概念であるにもかかわらず、「グルーブ」とは、音楽を呼吸させるもの、曲の文脈の中で私たちの身体を動かすものと定義できる、と述べています。
スティーブ・ヴァン・テレジュースは、「グルーヴ」という言葉を、曲や演奏の中で、音楽が与える影響によって「踊れない人も踊りたくなる」ポイントだと表現しています。
ベルナール・コクレは、「グルーヴ」とは、「経験豊かな音楽家が、リズムが書かれている（あるいは書かれるであろう）方法と比較して、少し「ビートの前または後」に演奏することである」と主張し続けています。
コクレはさらに、「グルーヴという概念は、実は美学やスタイルと関係がある」、「グルーヴは芸術的要素、つまり人間的なものであり、…ハーモニーの文脈、曲中の場所、ミュージシャンの楽器の音、そして他のミュージシャンのグルーヴとの相互作用によって進化する」、これを彼は「集団」グルーヴと呼んでいます。
シンガーソングライターのグルーヴならともかく、ドラムやベースといったリズムセクションの楽器の微細なリズムの変化で、バンドの演奏の「グルーヴ」が大きく変わるのは、このためです。
グルーヴとビート・リズムの違い
音大生やアマチュア・ミュージシャンの間でよく混同されるのが、ビート、リズム、グルーヴの違いです。これらの用語は同じ意味で使われることが多いですが、それは正しくありません。その理由を説明します。
音楽の一定の脈拍をビートと呼びますが、演奏や歌の持続時間の変化をリズムと呼びます。
ここで一旦、拍子とリズムの違いについて整理しておきましょう。
この違いを生徒に説明するために、音楽の先生がよく使う簡単な練習方法が、「動き」です。歩きながら拍をとり、手拍子でリズムをとる。曲を聴きながら、足と手で同じことをするわけではありませんから、拍子とリズムは別物だということがよくわかります。自分でもやってみると、同じ結論に達します。
しかし、音楽の勉強を深めていくと、「ビート」という言葉を別の意味で使うようになるかもしれません。おそらく、音楽全体のリズム効果を表現しているのでしょう。
さて、ここで言う「ビート」とは、より正確に言えば「グルーブ」のことです。
このように、「グルーヴ」とは、ビートとリズムが集合的に身体に与える影響のことである。
つまり、「グルーヴ」とは、音楽を聴いたときの身体の動きを表現しているのです。
このため、グルーヴを単にビートと呼ぶと、音楽のリズム構造を完全に見落としてしまうのです。
また、ビートとリズムの共通性から、ビートかリズムのどちらかを変えると、必ずグルーヴも影響を受けます。
グルーヴの出し方
音楽制作において、自分の「グルーブ」や「フィーリング」を見つけようとしているのなら、ここにいくつかのヒントがあるはずです。
もっと音楽を聴く
まず、音楽を聴く範囲を広げ、あまり馴染みのないジャンルを取り入れることが大切です。普段聴いているジャンルの中に、自分の創造性を閉じ込めてしまうのは簡単なことです。
異なるジャンルを聴くことは、インスピレーションの大きな源となります。実験するための新しい扉を開いてくれるのです。
例えば、スウィングの曲の「グルーブ」を次のハウストラックに適用して、どうなるか試してみるのもいいでしょう。
キーボードに打ち込む
多くのミュージシャンやプロデューサーは、演奏のコントロールを得るためにクオンタイズに頼っています。
しかし、「グルーブ」を得るためには、キーボードで音を入力するだけでは不十分です。キーボードの練習に力を入れることで、音符の音楽性を高めることができるのです。
ドラムを叩く
先ほど説明したように、曲の「ノリ」は、その繰り返しのリズムが私たちの身体に与える影響に現れており、それはバンドのリズムセクションの楽器の主な仕事です。
ドラムはリズムコントロールの代表的な楽器なので、トラックとドラムの関係が単なるプログラムではなく、より自然になれば、簡単にトラックに「グルーブ」を加えることができます。すべてのリズム楽器でそうできるとは限りませんが、ドラムは例外です。
キーボードを使ってもいいし、もっといいのはドラムパッドを使って、トラックのドラムとパックのパートにあなた独自の「フィーリング」を持たせることです。
量子化の決定事項を見直す
現在、ほとんどのDAW（デジタルオーディオワークステーション）は、初期設定として全力量子化値が設定されています。
つまり、演奏した音符をリアルタイムで入力すると、100%グリッドに調整されることになります。
これは、トラックに「グルーブ」を加えようとする場合、理想的なクオンタイズの決定ではありません。その代わり、もっと希薄なクオンタイズを適用する必要があります。
リアルタイムでトラックの一部を演奏することで、自分の「感覚」がプロジェクトに入り込み、プログラムでは不足しがちなパーソナルなタッチを与えることができるのです。
これは「グルーブ」の本質的な側面です。
手始めに、50%の強さでクオンタイズすることを検討してみてください。こうすることで、あなたの個性をあまり出さずに、音を「完璧なタイミング」に近づけることができます。
多くのミュージシャンが演奏の欠点を補うために量子化を使っているので、量子化を低くすることに抵抗があるかもしれませんが、プロジェクトに自然な「感じ」を残しておくと、嬉しい驚きにつながるかもしれません。
DAWのヒューマナイズ
上で説明したように、強さ100％のクオンタイズでは「グルーブ」が作れなくなります。リアルタイムで演奏するパートにクオンタイズを下すのは簡単ですが、手動で音符を並べたり、ステップタイムで描いたりして、それぞれがグリッドにロックされてしまった場合はどうでしょうか。
この場合、量子化強度を下げても変化がないので、DAWの他の機能で対応する必要があります。
お勧めの機能は、「ヒューマナイズ」です。これは、MIDI音に「破壊的」な変化を加えることができる機能のひとつです。
より正確に言うと、「ヒューマナイズ」は、音の位置、長さ、ベロシティを微妙に調整することで、あるレベルの微妙な「人間」の変化を取り入れることができるのです。
グルーヴを展開させる
グルーヴには、クオンタイズに関してさらにもう1つ不満な点があります。
例えば、クオンタイズの分解能として1/16分音符を選択したとすると、1/16分音符はそれぞれグリッド位置にスナップします。
この問題は、たとえ「スイング」の値を選択したとしても、1/16のノートのすべてのペアで2つのノートを結びつけてしまうことにあります（1つは時間的に、もう1つは少し後に）。
グルーブは多くの場合、1小節、2小節、4小節、あるいは8小節にわたって展開されるからです。
これは、グルーヴを識別可能な構造に形成できないという意味ではなく、グルーヴをより長い時間間隔に渡って展開させる必要があるという意味です。
そうすることで、プロジェクトはより音楽的に、より洗練されたサウンドになります。
独自のクオンタイズテンプレートを作成する
また、自分のリズム感に合わせてクオンタイズのテンプレートを作っておくと、「グルーブ」を見つけるのに役立ちます。その明確な土台をより繊細なものにしたい場合は、次に演奏する楽器に別のフィーリングを適用してみてください。
1/16の音列をストレートなリズムでクオンタイズし、別の音列を激しいスイングリズムでクオンタイズすることを想像してみるとよいでしょう。混乱しますよね。
そのため、グルーブテンプレートを作成すると、グルーブ内のハイライトを分析し、これらのノートの位置のクオンタイズマップを形成することができます。このマップを他の楽器に適用すれば、カスタムグルーヴにすばやくロックすることができます。
ライブの価値を再認識する
最後に、ライブ演奏に時間を割くことを強くお勧めします。もしあなたが音楽を作るためにスタジオに閉じこもっている人なら、ライブ演奏から自分を切り離すことはあまりにも簡単なことです。ここで、私はDJについて話しているのではありません。あなたがライブミュージカルのショーであなたの材料をオーバーダビングするのが好きでない限り。
ライブハウスが “ノリ”と密接に関係している理由は複数あります。その大きなひとつが、映像音楽でアーティストのパフォーマンスを見たときに感じることができる、強い「手応え」です。
先にも述べたように、バンドではドラムとベースがリズムセクションを構成しています。この2つの楽器の演奏を共有することで、バンドのグルーヴが生まれるというわけです。